Auteur : Gabriel Giacomotto

La maison de Victor Hugo : une maison ou un musée ?
La Maison de Victor Hugo, c’est-à-dire aujourd’hui le musée que l’on désigne sous le nom de « Maisons de Victor Hugo, Paris / Guernesey » est par nature hybride. Elle est composée de deux lieux distants de plus de quatre cents kilomètres et de nature très différente.
À Paris, malgré le nom de « Maison de Victor Hugo » porté depuis l’origine, le fonctionnement est plutôt celui d’un musée. Il y a eu une interruption entre l’occupation par Victor Hugo et la création du musée, les lieux-mêmes avaient été amplement modifiés, les collections y ont été réintroduites. Le bâtiment occupé par le musée ne se limite pas à l’appartement, mais occupe presque tout l’immeuble : un étage est ainsi dédié aux collections permanentes (celui de l’appartement de Victor Hugo), un autre aux expositions temporaires.
À Guernesey, au contraire, il s’agit d’une maison d’écrivain, à l’état pur, avec cette spécificité d’avoir été entièrement aménagée et décorée par Victor Hugo lui-même. C’est à la fois un sanctuaire et une œuvre d’art.

Dans quelles circonstances la Maison a-t-elle été ouverte ?
Le musée a été créé pour le centenaire de la naissance de Victor Hugo, en 1902, même s’il n’a ouvert qu’en 1903. Paul Meurice, ami très proche de Victor Hugo et exécuteur testamentaire, avait depuis longtemps le projet d’un lieu consacré au poète, à l’instar des maisons de Shakespeare, de Goethe ou encore de Dante. Il en a fait la proposition au Conseil de Paris, avec l’accord de la famille, c’est-à-dire de Georges et Jeanne, les petits-enfants, et de leur mère Alice Lockroy. Il était attaché au lieu car c’est place des Vosges, alors place Royale, qu’il avait connu Hugo. L’immeuble appartenant à la Ville, cela évitait un achat et facilitait le projet.

Comment a été constitué son fonds ?
C’est Paul Meurice qui a constitué le fonds primitif du musée à partir de sa collection personnelle, de dons importants de la famille et d’acquisitions auxquelles il a consacré les revenus qui lui provenaient de l’édition des œuvres de Victor Hugo, et dont la principale a été celle de la collection de Juliette Drouet. C’est Paul Meurice qui, également, a donné sa physionomie à la collection, la voulant « totale », capable de témoigner, de la manière la plus exhaustive, à la fois de l’homme, de l’écrivain et de l’artiste. Ainsi la collection est depuis l’origine incroyablement polymorphe : dessins, peintures, sculptures, photographies, objets de mémoire, effigies, mobilier, décors, livres, imprimés, etc. Depuis la collection a été continuellement enrichie notamment avec des dons importants des filles de Paul Meurice et de Jean Hugo. Paul Meurice a tenu à l’écart les manuscrits que Victor Hugo, dans son testament, destinait à la Bibliothèque nationale. Si le musée ne conserve donc pas les manuscrits de Victor Hugo, hormis quelques brouillons ou « copeaux », il est en revanche riche d’écrits familiaux et de correspondances. L’ensemble de dessins de Victor Hugo, véritable cœur de la collection, a été l’objet d’une attention continue, que l’envolée de sa « cote » a seule atténuée. Aujourd’hui, si elles tentent de maintenir la diversité, les acquisitions mettent surtout l’accent sur les œuvres originales illustrant les écrits de Victor Hugo.

Qui a été son premier conservateur ?
Le premier conservateur a été Louis Koch, le neveu de Juliette Drouet. C’est le fruit d’un curieux arrangement pour l’acquisition de la collection de Juliette Drouet que Paul Meurice a pu obtenir contre une somme d’argent et… le poste de conservateur. Louis Koch, il faut bien le reconnaître, n’a guère marqué l’histoire du musée qu’il a dirigé jusqu’à sa mort en 1913, le laissant tel que Meurice l’avait organisé. C’est Raymond Escholier qui l’a transformé après la guerre de 1914-1918, en en faisant un musée plus littéraire, thématiquement organisé. L’autre étape importante fut celle du réaménagement du second étage « sous forme d’appartement », non pas comme une reconstitution de l’appartement de Victor Hugo, mais comme une mise en perspective des collections, dont le parcours chronologique évoque la vie de Hugo à travers des ambiances décoratives donnant au visiteur l’impression d’être dans un appartement et de partager l’intimité du grand homme.

Quelle est la place de cette maison dans la vie et dans l’œuvre de Victor Hugo ?
Victor Hugo arrive place Royale – aujourd’hui place des Vosges – auréolé d’une triple gloire : celle du jeune poète des Orientales, celle du chef de file du drame romantique avec Hernani, celle du grand romancier qu’il est devenu avec Notre-Dame de Paris. Les années qu’il va passer là, de 1832 à 1848, sont celles de sa pleine gloire en même temps que de sa pleine maturité. Sa réputation de poète et d’homme de théâtre surtout, malgré l’alternance de succès et d’échecs (souvent dus à la censure), se confirme, jusqu’en 1843. Mais cette année-là va être celle du basculement. Située entre son élection à l’Académie française en 1841 et sa nomination comme pair de France en 1845, 1843 est l’année du drame, celui de la mort tragique de Léopoldine. Victor Hugo ne va pratiquement plus publier et s’orienter résolument vers la politique. De pair de France, il deviendra en 1848 élu de la République à laquelle il se rallie alors. Les seize années passées place Royale sont à la fois des années de gloire et de transition, des années décisives, en tout cas.

Quelle est la spécificité de Hauteville House à Guernesey ?
Au sein du musée, Hauteville House est la vraie maison d’écrivain ! C’est le sanctuaire absolu ! Cette maison n’est pas seulement le lieu d’exil et d’écriture de Victor Hugo, c’est aussi son œuvre, une œuvre d’art totale, qu’il a aménagée et dont il a créé les décors, ne laissant aucun vide, projetant, sa pensée, son imagination, son esprit sur toutes les parois. Hugo y a complètement façonné l’espace par une véritable méthode de collage qui est comme une grammaire, dont il fait varier le vocabulaire dans chaque pièce, mêlant boiseries sculptées, tapisseries, carreaux de faïence, soieries, meubles de laque, sculptures, meubles qu’il a lui-même dessinés, panneaux qu’il a également lui-même dessinés et peints.
Mais avec le temps, ces décors ont souffert et une grande campagne de restauration va ainsi avoir lieu en 2018 et 2019. Destinés à résoudre des problèmes d’infiltration, récurrents depuis l’époque de Victor Hugo, les travaux vont permettre des interventions significatives sur les décors : restauration et restitutions, afin de retrouver l’aspect visuel originel, voulu par Victor Hugo. Cette campagne a été précédée d’une étude historique et esthétique afin de bien comprendre le processus de mise en œuvre et l’esprit avec lequel Victor Hugo réalisait cette décoration.
Retrouver cet aspect visuel, c’est – nous l’espérons – retrouver l’esprit de Victor Hugo, sa puissance, sa démesure, sa poésie autant que sa fantaisie ou son sens du sacré. C’est offrir une expérience visuelle et émotive singulière et forte. Beaucoup de visiteurs disent n’avoir vraiment compris Victor Hugo qu’après avoir visité Hauteville House.

Quelles sont les offres éducatives à Paris ?
À Paris, la Maison de Victor Hugo a préparé pour tous les niveaux d’enseignement plusieurs types d’activités : visites contées, animations, conférences, lectures, parcours urbains ou encore ateliers. Leurs contenus ont été pensés soit comme un accompagnement des programmes scolaires – comme « Victor Hugo : citoyen et homme engagé », visite consacrée aux combats de Victor Hugo, ou « Cosette et Gavroche », visite contée à partir des Misérables –, soit comme une invitation à la découverte – ce qui est le cas notamment des séances permettant d’appréhender Victor Hugo comme dessinateur et concepteur de décors.
Le musée s’engage aussi avec l’Éducation nationale dans des partenariats pluriannuels – offrant ainsi des projets artistiques et culturels pour plusieurs classes d’un même établissement, avec le soin d’en renouveler les contenus et les approches chaque année et d’y intégrer des séances de création plastique. Par ailleurs, des ateliers photo ou vidéo, réalisés en petits groupes, permettent aux élèves en apprentissage du français langue étrangère de s’approprier le personnage de Victor Hugo à travers des créations personnelles ou collectives.
Désirant donner une place au regard et à la créativité des jeunes, la Maison de Victor Hugo a choisi en 2015 d’associer une dizaine de lycées professionnels de l’académie de Créteil à l’élaboration d’une exposition – « La pente de la rêverie. Un poème, une exposition ». Ayant ainsi reçu « carte blanche », les classes ont été invitées à partager leur lecture et leur vision du poème à travers des créations les plus diverses. Selon leur spécialité, les propositions ont pris forme d’installations, de dessins, de photographies, de vêtements, de mobiliers, de rap, de vidéo ou encore de textes et ont constitué le cœur de l’exposition en occupant la plus grande salle.
Le musée participe aussi à des dispositifs comme « Enfants conférenciers », favorisant l’autonomie des jeunes visiteurs et leur permettant après une première visite et un travail en classe, de proposer à leur tour une médiation à d’autres élèves-visiteurs.
La Maison de Victor Hugo souhaite développer une offre éducative variée, favorisant la médiation, l’échange, la participation active des élèves, mais aussi leur autonomie et collaboration. Ainsi, l’application de visite autonome « Connaître Victor Hugo », téléchargeable et en prêt gratuit sur tablettes au musée, est pensée comme une des formes numériques d’introduction ou de synthèse d’un travail mené par un enseignant. Notre désir durant la période de fermeture pour travaux (mai 2018-mai 2019) est de constituer un ensemble d’outils et de dossiers numériques à la disposition des enseignants et des élèves favorisant leur connaissance de nos collections et des problématiques qu’elles permettent d’étudier.

Que proposez-vous à Guernesey ?
Hauteville House, la maison d’exil de Victor Hugo à Guernesey, est ouverte chaque année pendant 6 mois entre avril et septembre. La découverte de la maison se fait toujours à travers une visite guidée d’une heure, menée par un conférencier.
L’accueil des groupes scolaires à Hauteville House constitue une mission importante pour le musée. En 2017, 1 721 élèves ont visité Hauteville House, ce qui représente environ 10 % du nombre total de visiteurs.
L’accès et les modalités de visites sont néanmoins soumis à plusieurs conditions. Située dans l’archipel des îles anglo-normandes, Guernesey est accessible par bateau depuis le port de Diélette en Normandie et St-Malo en Bretagne. La visite représente donc un coût important pour les établissements scolaires. La visite est aussi soumise aux horaires des compagnies maritimes et aux conditions météorologiques. De plus, la configuration de l’espace de Hauteville House, ainsi que les impératifs de sécurité, permettent la circulation d’un maximum de 30 personnes en même temps. Enfin, le décor conçu par Victor Hugo à Hauteville House occupe tout l’espace de la maison, ce qui ne permet pas d’avoir par exemple une salle réservée à un atelier pédagogique.
Plusieurs mesures sont donc mises en place pour tenir compte de ces contraintes et recevoir les écoles dans les meilleures conditions. Un tarif spécifique de £1,50 par personne est réservé aux groupes scolaires. En comparaison, le tarif plein s’élève à £8 et le tarif réduit à £6.
La capacité d’accueil journalière des groupes scolaires a été augmentée en 2016. Des créneaux de visites sont ainsi réservés aux écoles, ce qui permet de recevoir jusqu’à 60 personnes par jour et par établissement, sur une capacité journalière totale de 220 visiteurs. Depuis 2016, les horaires d’ouverture ont également été repensés et des visites supplémentaires sont disponibles en début de matinée, ce qui permet de s’adapter aux horaires d’arrivée des bateaux.
Enfin, les groupes scolaires doivent effectuer une réservation par e-mail ou par téléphone, au cours de laquelle il leur est demandé de fournir le projet pédagogique dans lequel s’inscrit leur visite à Hauteville House, afin que les conférenciers puissent en tenir compte dans l’élaboration de leur visite. La visite se fait donc sous la conduite d’un guide conférencier, par groupes de 10 personnes maximum. Ce petit nombre permet d’offrir un confort de visite et de faciliter les échanges entre le guide et les élèves.
Depuis 2014, une conférence dans le jardin de Hauteville House est également proposée aux visiteurs. Elle est particulièrement adaptée à la demande des écoles qui se rendent souvent à Guernesey à la journée et n’ont pas toujours le temps de suivre la visite guidée de la maison. La conférence dans le jardin permet aussi de proposer des créneaux de visite supplémentaires aux groupes scolaires de plus de 60 personnes.
Un dossier pédagogique a été conçu pour être mis à la disposition des enseignants en 2019, au moment de la réouverture de la maison au public suite aux travaux de restauration en cours.

Pourquoi faut-il lire et faire lire Victor Hugo ?
Rien n’y oblige : il faudrait précisément en finir avec cette pratique ou ces souvenirs du Victor Hugo des manuels scolaires, auteur soi-disant « incontournable ». Il faudrait donc simplement, comme pour tous les autres, avoir envie de le lire, de le découvrir ou de le relire comme s’il était l’un de nos contemporains, comme s’il s’adressait à nous, à l’aube du xxie siècle, comme s’il ne restait pas, en dépit du temps, d’une formidable et d’une étonnante actualité. Qu’il s’agisse d’amour, de compassion, d’idéal, de liberté, de solidarité, de tristesse ou de deuil, d’enfance ou de nature, qu’il s’agisse de poésie, de romans, de théâtre ou de discours politique, Hugo nous parle, d’où que nous soyons, de notre vie, de nos désespoirs, de nos souffrances, de nos espérances. Rares sont les auteurs que l’on dit « universels ». Victor Hugo est l’un d’eux, et cela vaut dans l’espace comme dans le temps.
S’il fallait enfin une autre raison pour le lire ou le relire, c’est que cet écrivain est l’un des plus formidables manieurs de mots de toute la littérature française, un fabricant d’images comme on en voit peu, une sorte de magicien démesuré et cosmique. Son lyrisme, sa générosité, sa puissance fascinent. Laissons-nous emporter.

Quels ouvrages sur Victor Hugo récemment parus pourriez-vous conseiller les CDI d’acheter ?
Il existe une courte biographie de l’écrivain dans la collection Découverte Gallimard, mais elle est malheureusement épuisée (Sophie Grossiord, Victor Hugo. « Et s’il n’en reste qu’un », 1998) – pour les CDI qui pourraient se la procurer, je la conseille vivement, car elle est vivante et très illustrée. Un autre genre de récit biographique est la bande dessinée de Bernard Swysen, Victor Hugo, Joker P Et T Production, 2014) à la fois accessible et documentée. Pour des jeunes lecteurs, un choix de poèmes illustrés par les dessinateurs de bande dessinée et accompagnés de dossiers documentaires peut être une bonne entrée en matière (Poèmes de Victor Hugo en BD éd. Petit à petit, 2002). Les œuvres de Victor Hugo sont souvent éditées dans les collections abrégées (Hatier, Bordas) accompagnés des dossiers et notes destinés aux élèves. Nicole Savy (Le Paris de Victor Hugo, éd. Alexadrines 2016) présente à la fois le rapport de l’écrivain à la ville et un choix de courts extraits qu’elle contextualise ; Marie-Noëlle Rio préface le célèbre discours de Victor Hugo (Du péril de l’ignorance, éd. du Sonneur, 2011). Les engagements politiques de l’écrivain ont aussi été un thème d’une exposition très pédagogique, accompagnée d’une publication intitulée Victor Hugo politique (MVH, 2013). Enfin, l’exposition La pente de la rêverie. Un poème, une exposition (MVH, 2016) a donné lieu à une édition numérique comprenant des contributions des élèves et professeurs participant à l’élaboration de l’exposition (Pente de la rêverie, application, Paris Musées, 2016) Dans un autre genre, Judith Perrignon a écrit un roman documenté par les archives de la préfecture de la police et ceux de la MVH. Elle y relate de façon très imagée les funérailles de l’écrivain (Judith Perrignon, Victor Hugo vient de mourir, éd. Iconoclaste, 2017) réussissant à rendre palpables les tensions liées aux combats et à la célébrité de l’écrivain, mais aussi le défi que pose son souhait de funérailles laïques.

Quel avenir pour ces deux maisons ?
L’avenir immédiat des deux maisons est dans les deux campagnes de travaux qui auront lieu en 2018. Une intervention majeure sur le clos et le couvert à Guernesey, accompagnée par d’importantes restaurations et restitutions de décors, afin de rendre aux espaces leur aspect visuel d’origine, tel qu’il avait été conçu par Victor Hugo. À Paris, il s’agira d’une redistribution de certains espaces et d’une extension dotant le musée d’un jardin, d’un salon de thé et d’un espace pédagogique, tout en améliorant la circulation des visiteurs.
Au-delà de ces travaux, le musée reste très attentif à ses missions de base, et en particulier concernant ses collections, leurs études, leur valorisation et leur mise à disposition du public. Deux axes sont privilégiés, avec d’abord la poursuite de la mise en ligne des collections, accompagnée de notices d’œuvres plus documentées, voire d’un accompagnement documentaire pour la mise en ligne des œuvres et des décors de Hauteville House. Par ailleurs, le musée projette également une nouvelle manière de montrer les collections, place des Vosges, plus souple, plus mobile, qu’une exposition au sens strict du terme et en prenant en compte la nature du public qui est constitué à 70 % d’étrangers, non-francophones, mais en intégrant aussi un mode participatif. Le musée est d’ailleurs très actif en direction du champ social et entend poursuivre son action en ce domaine.
L’avenir de la Maison de Victor Hugo, comme celui de tout musée, doit être de rester en prise avec l’évolution des pratiques réelles et virtuelles.

Entretien par Odile Bonneel. 

Jean-Michel Delambre est né en 1949 à Liévin, dans le bassin minier, mais a préféré travailler à la mine… de crayon. Écrivain et poète, il écrit pour la jeunesse des albums aux histoires amusantes ou des recueils de poèmes qu’il illustre lui-même d’aquarelles. Son plaisir est de jouer avec les mots, comme dans L’Horrible Recette de Sarah Tatouille la sorcière (éditions Henry), où il manie les « mots-valises ». Mais Jean-Michel Delambre a plus d’une plume à son arc : ancien professeur de français, il est aussi journaliste-dessinateur au Canard enchaîné qui l’a pris sous son aile il y a plus de trente ans. Il y fait des dessins truffés d’humour et des caricatures d’hommes politiques gratinées ! Il était l’ami de Cabu, Wolinski, Tignous, et a fait sienne la devise du Canard : « La liberté de la presse ne s’use que quand on ne s’en sert pas ». Jean-Michel Delambre a également une autre spécialité au Canard : il écrit les « bandeaux » et « manchettes », ces gros titres à calembours et mots-valises. Il collabore aussi à d’autres journaux comme Marianne, Psikopat, Le Parisien, le JDC (Journal De la Corse), Le Courrier Picard… Il écrit des nouvelles pour adulte (son dernier recueil, FIN, Nouvelles d’avant l’Apocalypse est paru en 2016 chez L’Harmattan), ainsi que des bandes dessinées sur la Corse : Da Vinci Corse, Le Diable au Corse. Artiste complet, il réalise des peintures et des sculptures engagées dans son atelier-galerie et, après avoir reçu le Prix du Club de la Presse Nord-Pas-de-Calais, il a reçu en mai 2017 le Prix de l’Humour du Salon de la sculpture d’Étaples pour sa sculpture Aquagym.
Rencontre avec un artiste faisant feu de tout bois, l’esprit toujours en éveil nourri de mots, d’arts, de musiques et de films, qui aime nous faire partager ses œuvres toujours empreintes d’humour !

Le  dessinateur qui écrit 

Quel type d’écolier étais-tu ?
Disons que j’étais un écolier timide qui apprivoisât très tôt la solitude et le rêve (l’absence du père et le mystère de sa disparition ?) pour pouvoir créer, lire, dessiner… Je m’ennuyais souvent à l’école, sauf en français et en dessin et j’ai le souvenir très vivace de deux ou trois maîtres merveilleux de l’école publique qui m’ont beaucoup apporté. La maison familiale était immense avec de longs couloirs (comme dans le film Shining) avec des livres et un jardin avec basse-cour. Nous étions quatre frères et sœur. Notre grand-père était à la fois artisan-cordonnier-boxeur-menuisier-jardinier-conteur-éleveur et bricoleur de génie… Tout est venu de l’enfance.

As-tu toujours voulu faire ce métier d’écrivain-dessinateur ?
Ma mère m’avait abonné à Spirou, puis à Tintin et enfin à Pilote. J’étais fasciné par la BD (Tillieux, Cuvelier, Jijé, Franquin, Hergé, Druillet, Bilal) et le dessin d’humour (Bosc, Chaval, Sempé, Cabu, Mordillo…). À l’âge où on rêve de devenir coureur cycliste, pompier ou chercheur d’or, je savais que je voulais raconter des histoires, dessiner, peindre, écrire… J’aimais d’abord lire, ce qui implique la solitude.

Pourquoi écrire et dessiner pour les enfants ? Quel est ton rapport à l’enfance en tant qu’artiste ?
Avant de vivre du dessin de presse et d’intégrer l’équipe du Canard Enchaîné, j’ai été maître-nageur pour payer mes études et professeur au collège. Enseigner c’était partager, se sentir utile. Puis j’ai quitté l’enseignement pour devenir « journaliste-dessinateur » tout en continuant à animer des ateliers de dessin et d’écriture avec les élèves ; histoire de garder le plaisir de transmettre devant des yeux émerveillés. Dessiner, imaginer, raconter des histoires… c’est une façon de ne pas quitter le monde de l’enfance.

Y a-t-il une écriture pour enfant et une autre pour adulte ?
Il y a juste une différence de forme, mais les contes s’adressent aussi bien aux petits qu’aux grands. Les belles histoires sont universelles et peuvent se relire à chaque âge. Le haïku rencontre un grand succès auprès des enfants grâce à sa forme très épurée et permet une initiation à la poésie.

Fais-tu une différence entre écriture et dessin, ou sont-ils fortement connectés ?
Certaines idées de dessins naissent d’un mot, d’une expression ou d’un jeu de mots. Parfois le dessin naît avant l’idée : juste le plaisir de la couleur et de la matière. J’aime beaucoup l’aquarelle, parce que le jeu avec l’eau réserve beaucoup de surprises. Je peux avoir envie d’exprimer la même idée par un dessin humoristique, une « illustration »
ou une sculpture…

Quels sont les poètes, les écrivains, les dessinateurs qui t’ont marqué ?
Les auteurs qui ont nourri mon imaginaire et m’ont aidé à grandir et à vivre sont Verlaine, Rimbaud, Jean Tardieu, René Char, Prévert, Aragon, Yves Bonnefoy… Hugo, Sade, Mérimée, Maupassant, Camus, Céline, je peux passer du recueil de poésie au polar ! Parmi les contemporains, j’aime bien le cynisme et l’humour de Régis Jauffret, Frédéric Beigbeder et le style de Sorj Chalandon.
À la maison, je lisais tout ce qui pouvait traîner : France-Soir, Le Hérisson, France-Dimanche… puis Le Canard Enchaîné. J’ai eu très tôt une grande admiration pour Tomi Ungerer qui peut passer de l’illustration pour enfant au dessin érotique ou au dessin de presse. Daumier, Doré, Benjamin Rabier, Fred, Topor, Tardi, Cabu, Cardon, Wozniak… il y en aurait tant à citer parmi ceux qui ont un vrai univers !

Y a-t-il des choses, animaux, personnes ou sujets, que tu préfères dessiner ?
J’aime beaucoup dessiner les animaux, car on peut faire passer pas mal de choses sur les humains. Quant au monde politique, c’est souvent une jungle ! J’aime dessiner Sarkozy, c’est un bon client, sans cesse en mouvement avec des mimiques à la De Funès ; Hollande tout en rondeur et qui n’est pas avare de « p’tites blagues », Macron est encore un peu tendre et lisse… les personnages les plus difficiles à « cerner » sont ceux qui ont peu d’expression. Les femmes sont plus difficiles à caricaturer, et on tombe facilement dans le sexisme.

Pourquoi aimes-tu la technique de l’aquarelle ?
L’aquarelle ou les encres de couleurs (rehaussées parfois de pastel) sont faciles à utiliser, car je travaille « à l’ancienne » avec papier d’Arches, grain torchon, des vrais pinceaux et de la vraie couleur, plutôt que sur Photoshop, pourtant bien pratique pour les retouches.

Comment les idées te viennent-elles ?
Y a-t-il une gymnastique de l’esprit pour trouver tous ces jeux de mots ?
On trouve sans chercher ; une conversation, une chanson, un film… tout est prétexte à jeux de mots et ça devient presque automatique. La nuit parfois, on se réveille avec une idée et il vaut mieux la noter pour ne pas l’oublier, quitte à se rendre compte au petit matin qu’elle n’est vraiment pas géniale.

Écrire, dessiner pour les enfants et croquer l’actualité politique : une complémentarité ?
C’est complémentaire et j’ai besoin, comme d’autres auteurs, de faire les deux. Le travail pour les enfants demande plus de « légèreté » et de poésie… Une même idée peut être exploitée à travers le regard d’un adulte ou celui d’un enfant, ou peut être comprise par les deux.

Le  journaliste qui dessine

Comment en es-tu arrivé à travailler au Canard enchaîné ? Cela a-t-il été difficile de percer ? Un choix de vie ?
J’ai commencé à dessiner pour diverses publications confidentielles ou fanzines et à l’École Libératrice, le journal du syndicat des enseignants, à l’époque où j’étais jeune remplaçant. Je demandais à mon « principal » de me libérer le lundi pour pouvoir porter mes dessins à la rédaction du Canard Enchaîné que je dévorais chaque semaine, et un jour j’y ai découvert mon dessin qui s’intitulait « Madame Bovary ratant son suicide » !

Comment organises-tu tes journées ?
Comme un musicien, il faut « faire ses gammes » chaque jour, pour espérer s’améliorer et s’inventer un univers. Je commence à potasser l’actu le dimanche mais en réalité, dans ce métier, on est accro chaque jour aux infos. Je consulte les journaux et évidemment j’écoute les infos midi et soir quand ce n’est pas en continu avec certaines chaînes. J’aime aussi regarder avec gourmandise les dessins des confrères et amis avec parfois un regret : « Mince, il a eu l’idée que j’aurais aimé avoir ! » Surtout aussi pour éviter de « piquer » l’idée qui circule déjà un peu partout.

Comment te tiens-tu au courant de l’actualité ? Choisis-tu librement tes sujets ou réponds-tu à une commande ?
Au Canard, on est vraiment libre du choix des sujets, pourvu que le dessin soit drôle. Mais il y a aussi des dessins de commande, les plus difficiles à réaliser, car on est dans les figures imposées. Cabu était le plus fort dans la discipline.

Qu’est-ce qui fait la force d’un dessin ?
Cavanna disait qu’un bon dessin était « un coup de poing dans la gueule ». Un dessin doit faire réagir, il peut surprendre, provoquer, susciter le rire ou la réflexion, mais ne doit jamais laisser indifférent.

Comment fais-tu pour saisir les traits et caricaturer un homme politique ?
Comme tous les dessinateurs, en observant les expressions, les tics et mimiques, sur les photos ou mieux, à la télé. Après il faut travailler et travailler encore, surtout avec les étoiles filantes de la politique.

Tu dis : « C’est l’actualité qui a du talent », peux-tu développer ?
C’est évident qu’il y a des périodes de vaches maigres pendant lesquelles l’actu ronronne ou nous sert du réchauffé. Notamment pendant les vacances d’été avec les « marronniers ». Difficile de faire un dessin hilarant quand il faut « illustrer », pour la énième fois, le trou de la sécu…

Une rédaction a-t-elle déjà refusé l’un de tes dessins ? Dans ce cas-là, le proposes-tu à un autre journal ?
Il faut rester humble et se dire que si un dessin n’a pas été publié c’est qu’il n’était pas bon. Après il est vrai qu’un dessin peut être refusé par un journal et bien accueilli par un autre ; le choix de publier ou non un dessin reste subjectif et il ne faut pas oublier que cela engage la responsabilité du directeur de la publication.

Faut-il réfléchir à deux fois avant de faire un dessin et se poser ainsi des limites ?
Je réfléchis même à 3 fois, car on peut parfois interpréter un dessin dans le mauvais sens, surtout s’il y a plusieurs « niveaux de lecture ». J’ai fait un dessin où Chirac, après l’affaire des emplois fictifs de la ville de Paris, disait : « Je n’ai jamais été alzheimer de Paris ». Quand on sait que l’ex-maire de Paris est maintenant malade, le dessin peut sembler outrancier… d’ailleurs, il n’a pas été publié.

La liberté d’expression, toujours à conquérir ?
Plus que jamais !

Est-ce que l’on a déjà porté plainte contre l’un de tes dessins ?
Oui, quand j’ai publié le « Jeu des 7 familles corses ». Une association vénérable, « Ava basta », sous la pression des nationalistes, y a vu du « racisme anti-corse », car tous les membres des 7 familles étaient encagoulés. Le tribunal (corse) a tranché en faveur de l’éditeur et de l’humour.

Après l’attentat de Charlie Hebdo, as-tu été découragé ou as-tu eu encore plus envie de dénoncer ?
Oui, j’ai pleuré de tristesse et de rage et, après une période de découragement, je me suis dit qu’il fallait redoubler de légèreté contre l’obscurantisme et la barbarie. De tout temps les créateurs, les auteurs et les artistes ont été menacés par les pouvoirs totalitaires, mais aujourd’hui chaque citoyen, quel que soit son métier, peut se sentir menacé…

Quel est ton message, par rapport à l’écriture, aux arts et à la culture pour la jeune génération ?
J’imagine en dessin, un futur où des archéologues trouveraient lors de fouilles, un fossile mystérieux, bizarroïde… renfermant d’étranges signes. Quelqu’un reconnaîtrait les restes d’un « livre » à moitié calciné, objet silencieux, inusité, disparu depuis longtemps…
Surtout pas de message, mais souvenons-nous, avec Stéphane Hessel, que « Créer c’est résister, résister c’est créer ! » Créer, c’est vivre tout simplement.

Structure anthropologique de l’imaginaire égyptien

Différentes traditions de la légende osirienne se complètent et s’entrecroisent. Mais c’est à Plutarque que nous devons le récit le plus complet, intitulé Isis et Osiris. Toutefois, même si elles sont peu nombreuses, les sources pharaoniques existent. Les textes égyptiens présentent en effet, dès l’Ancien Empire, les éléments essentiels du mythe. Elles nous racontent que l’univers n’était au commencement qu’un grand océan primordial, qui engendra le soleil Atoum. Atoum engendra Chou (le dieu du souffle) et Tefnout (la déesse de l’humidité). Chou sépara le ciel de la terre. Ainsi naquirent Nout (la déesse du ciel) et Geb (le dieu de la terre). Geb et Nout avaient deux fils, Osiris et Seth, et deux filles, Isis et Nephtys. Osiris épousa Isis et Seth prit pour femme Nepthys. Osiris apprit aux Égyptiens l’agriculture. Il était bon, juste et sage. Seth, jaloux, voulut le tuer et complota contre lui. Il organisa un banquet où il avait placé un coffre magnifique, qu’il avait fait fabriquer par ruse à la mesure du corps d’Osiris. Seth déclara au banquet qu’il offrirait ce magnifique coffre à celui, qui, en s’y couchant, le remplirait parfaitement ; lorsqu’Osiris s’y étendit, Seth rabattit rapidement le couvercle, le cloua, et le jeta dans le Nil. Désespérée, Isis chercha Osiris jusqu’en Phénicie. Elle y retrouva le cercueil et le ramena en Égypte. Mais Seth réussit à s’emparer du corps et le coupa en quatorze morceaux qu’il dispersa. Isis rassembla les membres épars de son mari, reconstitua le corps avec l’aide du dieu Anubis, l’entoura de bandelettes et réussit à lui rendre vie. Plus tard, Horus, le fils d’Osiris et d’Isis, vengea son père : il émascula Seth mais perdit un œil dans le combat. Horus vainqueur devint le premier pharaon. Depuis ce jour, Seth se retire dans le désert et devient le dieu de la stérilité et Osiris règne sur le royaume des morts et peut ouvrir, pour chaque Égyptien les portes de l’éternité.
Dans les différents moments de la légende osirienne, on relève les principaux thèmes qui nourrissent la pensée égyptienne : la relation conflictuelle entre deux frères, le meurtre du père vengé par son fils, le thème de l’épouse et de la mère aimante, ou encore le rapport belliqueux de l’oncle et du neveu. Mais à y regarder de plus près, c’est sans doute dans la dimension eschatologique du mythe qu’il faut chercher quelques clés pour tenter de mieux comprendre l’organisation agraire, politique et religieuse de la civilisation pharaonique. La légende osirienne donne un ordre à la nature qui entoure l’homme égyptien : l’alternance des saisons, la crue et la décrue du Nil, l’aridité du désert, le cycle du soleil et de la lune… et à ce titre joue un rôle de premier plan dans la mémoire culturelle et cultuelle égyptienne. Si le mythe d’Osiris traite de l’existence même, de la vie et de la mort, du temps, il intéresse les artistes au prix d’une triple interprétation qui fonde les structures anthropologiques de l’imaginaire égyptien.

Une interprétation agraire

La résurrection d’Osiris semble d’abord traduire la réalité de la terre de l’Égypte qui n’existe que par la crue annuelle du Nil. Osiris, mort comme la terre égyptienne en saison sèche et ressuscité comme la terre au moment de la crue du Nil, préside à la germination et au jaillissement de la vie végétale. L’Égypte est un « don du Nil » disait Hérodote, et toute sa société et son économie s’organisaient en fonction des fluctuations du fleuve sacré. Un temps pour l’agriculture, un temps pour la construction des monuments dédiés aux dieux et aux Pharaons. Lors de la fête annuelle d’Osiris à Abydos, on célébrait ainsi des mystères en lien avec le cycle des semailles et des moissons. On plaçait dans les Osiréions, des nécropoles spécialement dédiées, des statuettes d’Osiris en argile mêlée de graines qui germaient ensuite pour donner naissance à une végétation symbolisant la promesse de vivre dans l’au-delà : les fameux « Osiris végétants ». La mort et la résurrection d’Osiris révèlent également un aspect d’Osiris qui appartient sans doute à la personnalité originelle du dieu, celui de dieu de la végétation qui a appris aux hommes à cultiver la terre. « Dès qu’Osiris régna, il arracha tout aussitôt les Égyptiens à leur existence de privations et de bêtes sauvages, leur fit connaître les fruits de la terre, leur donna des lois et leur apprit à respecter les dieux » nous dit Plutarque. En revanche, Seth incarne, dans la mesure où il est le dieu de l’excès, le désert, sa nature stérile, sa terre dure qui ne laisse pas germer la vie.

Une interprétation religieuse

La légende osirienne marque la croyance d’une vie après la mort. En ressuscitant Osiris, Isis lui assure son immortalité. Celui-ci devient le roi-dieu de l’autre monde et préside désormais au jugement des morts. À partir de ce moment, Osiris est alors conventionnellement représenté dans l’art égyptien vêtu d’un linceul collant ou de bandelettes de momie, tenant le sceptre et le fléau, symboles de la royauté. Sur les peintures pariétales ou les papyri, son visage et ses mains arborent une couleur vert profond qui atteste symboliquement de sa régénération. La croyance selon laquelle le défunt, nommé celui qui est passé à son « ka », voyage dans l’autre monde où il doit affronter toute sorte de monstres et de dangers, est attestée par la conception eschatologique osirienne et d’autres sources anciennes. Le livre des morts décrit toutes les étapes de ce voyage et révèle les formules que le mort devra utiliser pour ouvrir portes et verrous. Au terme de ces voyages sur Terre, dans le ciel et dans l’Amdouat (ciel inférieur), le défunt doit subir le jugement. Il est introduit par Anubis dans la salle où trône Osiris, entouré d’Isis et Nephtys. Son cœur est posé sur le plateau d’une balance dont l’autre plateau supporte le hiéroglyphe de Maât (justice, vérité, ordre, divin). Thot contrôle la pesée. C’est à ce moment que le défunt prononce ce qu’on appelle la « confession négative » : « je n’ai pas causé de souffrances aux hommes, je n’ai pas usé de violences… ». Cette confession est constituée de formules stéréotypées que le défunt doit absolument connaître. Au pied de la balance, se tient une créature monstrueuse, la « dévoreuse », qui se jettera sur le malheureux si le jugement est défavorable, et assurera ainsi sa mort définitive. Si le jugement est favorable, le mort jouira d’une survie éternelle dans les champs de roseaux, paradis d’Osiris.

Une interprétation politique

Pour que la continuité du cycle de la nature et de la vie soit assurée, avant de rejoindre l’au-delà, Osiris avait assuré sa descendance en fécondant Isis d’Horus, modèle du roi héritier. Sa succession assurée, la vie terrestre d’Osiris pouvait prendre fin. Il laissait la royauté sur Terre à son fils qu’Isis élevait alors secrètement dans les marais du Delta afin de le dissimuler à Seth. Cet acte justifiait l’existence de la royauté terrestre et de la succession de père en fils. Pharaon continuateur du premier roi-terre, Osiris garantissait la vie ; celle-ci appartenait à tous les Égyptiens. Le gouvernement de la terre et des hommes était confié aux soins des « serviteurs d’Horus », qui allaient devenir les rois ou pharaons. Formant des dynasties, les pharaons sont censés se succéder dans une suite ininterrompue depuis Horus et s’inscrire par là dans la lignée des dieux dont ils sont à la fois les descendants et les officiants. À partir du moment où les dieux ne règnent plus sur terre, c’est par la médiation de Pharaon, entouré du clergé, que s’opèrent l’influence des dieux et l’intercession en faveur des hommes auprès de ces derniers. Toutefois, historiquement, de nombreux complots sont attestés à la cour de Pharaon. En cela, ces rivalités s’inscrivent dans la continuité de la geste d’Horus et de Seth, avec leurs démêlés pour prendre le pouvoir. Le thème historique et politique de la succession légitime du fils sur le trône de son père est un élément constitutif du mythe osirien qui modèle l’histoire de la civilisation pharaonique.
Si les mythes expliquent les fondements principaux du monde qui entourent les anciens Égyptiens, la religion pénètre chaque moment de la vie quotidienne des temps pharaoniques. En Égypte ancienne, la construction des monuments à la gloire des Dieux (les temples) et de Pharaon (les pyramides) se manifeste comme la traduction architecturale des légendes égyptiennes et crée de véritables lieux de mémoire de la civilisation pharaonique.

Fondement d’une mémoire culturelle de l’Égypte ancienne dans le neuvième art

Dans la bande dessinée, les auteurs élaborent une narration graphique et contribuent à construire ce que Roland Barthes désigne comme des « mythologies contemporaines ». Dans cette perspective et selon l’essayiste et sémioticien français, le mythe s’appréhende comme un message car il exprime un système de pensée et de communication. Si la légende d’Osiris éclaire, par son interprétation agraire, politique et religieuse, les fondements sur lesquels repose la civilisation pharaonique, sa réinterprétation dans la bande dessinée compose la forme « égyptographique » d’un imaginaire contemporain. Raconter et peindre l’Égypte (comme l’explique l’étymologie du mot grec graphein) est un exercice de style reposant sur l’élaboration d’images de l’Antiquité réactualisées à l’aune de la modernité. Alors, l’Égypte ancienne dans la bande dessinée : invention ou réinvention d’un mythe ?

Les dessinateurs, mythographes de l’imaginaire de l’ancienne Égypte

De nombreux dessinateurs s’approprient le mythe d’Osiris avec des référents et une esthétique graphique qui leur appartiennent. Ils recomposent un imaginaire contemporain de l’Égypte ancienne qui s’inscrit dans une longue tradition égyptomanique. Dans cette perspective, le mythe d’Osiris se manifeste comme moteur du récit graphique
Dans le second tome du Faucon de Mû (1981), Dominique Hé raconte le mythe osirien de manière didactique. La version qu’il propose fait en effet référence avec un grand souci de précision à l’œuvre de Plutarque De Iside et Osiride. Toutefois, le dessinateur opère quelques ajustements prenant ses distances avec le récit grec. Sous sa plume, il n’est pas question, par exemple, de la reine de Byblos ou du phallus d’Osiris dévoré par un poisson. De même, sans doute pour assouplir sa narration, il ne s’étend pas sur l’affrontement d’Horus, l’héritier légitime, avec son oncle. Il faut dire aussi que le récit de cette lutte aux modalités complexes varie grandement selon les sources.
Dans la série Papyrus, Lucien De Gieter rejoue les épisodes du mythe osirien. Dans Le Colosse sans visage (1980), Papyrus, pour avoir défié les dieux, est transformé en bête. Amoureuse, la princesse d’Égypte Théti-Chéri décide de lui venir en aide. Elle se rend sur l’île des dieux pour tenter de déjouer la malédiction. Afin de séduire les divinités, elle effectue une danse qui rappelle celle qu’Isis avait accomplie devant le corps démembré d’Osiris dans la légende. Dans Le Pharaon maudit (1998), Théti-Chéri et Papyrus, pour le plaisir de cinq chipies qui se prétendent être les filles d’Akhénaton, sont contraints de s’affronter déguisés en Anubis et Horus. Le clin d’œil au combat d’Horus et de Seth est ici revendiqué par le dessinateur belge, mais il est ambigu car Anubis a remplacé Seth.
Dans sa fresque dessinée en 8 volumes, Isabelle Dethan nous emporte sur les terres d’Horus. Elle propose une fiction qui s’articule autour d’une enquête au temps des pharaons. Mérésankh est la secrétaire particulière du seigneur Khaemouaset, fils du roi et grand prêtre de Ptah. Lors de l’inspection d’une tombe profanée, ils découvrent que d’étranges rites funéraires ont eu lieu, mais surtout que la momie supposée être une femme est un homme ! Un curieux dessin est reproduit sur la momie, un dessin qui remémore de vieux souvenirs à Mérésankh. Celui-ci va parcourir l’Égypte pour trouver des réponses. Dans sa quête, à l’instar d’Isis recherchant les morceaux de son mari, elle est escortée par Iméni, le garde personnel de Khaemouaset.
Dans le domaine de la science-fiction, avec la trilogie Nikopol, Enki Bilal réinterprète à sa façon le mythe osirien. Nous sommes en 2023. Une pyramide volante peuplée de dieux égyptiens stationne dans le ciel de Paris ; ils sont en panne de carburant. Sur Terre, le gouverneur Jean-Ferdinand Choublanc, en campagne électorale, cherche à tirer profit de la situation. En rupture avec les habitants de la pyramide, le dieu Horus (et non Seth) a besoin d’investir et d’habiter un corps humain. C’est Alcide Nikopol, de retour sur Terre après trente ans d’hibernation dans l’espace, qui va devenir l’hôte de la divinité. L’épisode de cette fusion évoque de manière allégorique la notion de filiation royale présente dans la légende osirienne. Nikopol est « l’Horus vivant ». Mais c’est surtout en confrontant une Égypte théocratique et un monde fasciste que Bilal construit le mythe moderne d’une société décadente, qui périclite à l’image des régimes soviétiques d’Europe de l’Est à la fin de la Guerre froide.

Fragments dessinés du mythe : la quête d’une écriture visuelle de l’Égypte ancienne

Si l’on cherche à décrypter la représentation d’un imaginaire historique de l’Égypte ancienne à travers un large corpus, on s’aperçoit que le mythe d’Osiris se manifeste comme la matrice de la grammaire de la civilisation égyptienne de papier. On peut alors émettre l’hypothèse que les fragments de la légende osirienne façonnent la mémoire culturelle de l’Égypte ancienne à la lumière de la triple interprétation qui constituait les structures de la civilisation pharaonique.

Une réinterprétation agraire en toile de fond

Le thème de la nature est omniprésent dans la mythologie égyptienne. Elle peut être accueillante tout en restant dangereuse. Dans les planches, la représentation des paysages de l’Égypte ancienne semble s’appuyer sur la dichotomie Est/Ouest de l’espace issue du mythe osirien. En effet, si très tôt, l’homme du Nil a reconnu les bienfaits de Hâpy, la crue fertilisante du fleuve, en revanche, le désert lui fait peur : c’est le domaine des morts, des esprits qui rôdent et des animaux malfaisants. Selon la légende osirienne, au cours de son affrontement avec Horus, Seth est émasculé et devient le dieu de la stérilité et du désert. Au cœur des bandes dessinées, comme dans la civilisation égyptienne, le Nil est source de vie. Il apporte par sa crue le limon qui fertilise le sol. Son eau est poissonneuse. Figurer le Nil devient un postulat quasi obligatoire lorsqu’il s’agit d’élaborer un récit graphique se déroulant dans le contexte géographique égyptien. Quelques titres témoignent ainsi de la prépondérance du rôle que le fleuve joue au sein des récits dessinés : Le Prince du Nil de Jacques Martin (1974), L’Homme du Nil de Toppi (1978), Une tombe au bord du Nil de Marcello et Mora (1980), Quand le Nil deviendra rouge de Clave et Dieter (1989)… Pour ne pas empiéter sur les champs, les anciens Égyptiens ont bâti les nécropoles aux portes du désert. C’est l’occasion pour les dessinateurs d’exploiter un monde inquiétant et mystérieux à proximité de celui des vivants. La mort, la chaleur torride, la soif, les morsures de serpents et les piqûres de scorpion sont des éléments constitutifs du désert dans l’imaginaire des dessinateurs et rappellent les souffrances vécues par Horus dans la légende osirienne. Sans en avoir pleinement conscience, les artistes perpétuent l’idée que la bipolarisation de l’organisation géographique puis politique de l’Égypte relève avant tout du mythe.

La séduction de la réinterprétation religieuse

La religion et les croyances égyptiennes d’une vie après la mort exercent un fort pouvoir d’attraction sur les artistes. Dans leurs œuvres, ils se plaisent à mettre en scène le formidable panthéon de dieux égyptiens, créatures zoomorphes et autres monstres hybrides. Cette « foire aux immortels » de papier pour reprendre le titre d’une bande dessinée d’Enki Bilal, incarne le pouvoir de séduction qui s’opère à la lecture de la légende osirienne et des autres mythes égyptiens. Dans cette perspective, les représentations de l’au-delà égyptien invitent les lecteurs à voyager dans un monde autre et lointain où l’imagination graphique peut s’exprimer librement. On doit en effet à Baranger et Haziot, avec leur série L’Or du temps, ou encore au très prolifique Lucien de Gieter avec L’Enfant hiéroglyphe (1998) de très belles images de l’accomplissement de la justice divine telles qu’en proposent le livre des morts ou les peintures pariétales des tombes anciennes. Dans le neuvième art, la cohabitation entre l’au-delà et la résurrection de la « chair » offre des ressources narratives particulièrement intéressantes autour de la thématique de la malédiction de la momie. En effet, développée dans la légende osirienne, cette croyance égyptienne en une forme de résurrection par la momification se traduit, dans la bande dessinée, comme au cinéma d’ailleurs, par une sorte d’allégorie. Les momies reprennent réellement vie et deviennent des personnages à part entière : Bibi Frictoin et le secret de la momie de Pierre Lacroix (1971), Le Huitième Sarcophage de Dupa (1986), Une vie éternelle de Magada et Lapière (2004) ou encore la série Fox de Jean Dufaux et Jean-François Charles en sont des exemples significatifs. Dans Les Momies maléfiques (1998), Papyrus et Théti-Chéri sont aux prises avec de dangereuses momies animées par Seth et ils ne parviendront à les vaincre qu’avec l’aide d’Horus. Rendre vivantes, tout en les réinterprétant, toutes ces croyances égyptiennes dans la bande dessinée n’est-elle pas aussi une façon de vaincre la mort et de conférer à la civilisation pharaonique une dimension d’éternité dans l’imaginaire occidental ? D’ailleurs encore aujourd’hui dans les productions récentes, nous retrouvons le déploiement des mêmes archétypes de l’imaginaire égyptien dans le neuvième art. En 2106, dans Mitterrand requiem, Joël Callède convoque Anubis, le dieu des morts égyptien pour confronter François Mitterrand à son passé au crépuscule de sa vie.

Une réinterprétation politique au cœur des intrigues

Le thème historique et politique de la succession légitime du fils sur le trône de son père apparaît comme un élément constitutif du mythe osirien qui modèle l’histoire de la civilisation pharaonique. Tout l’édifice social de l’ancienne Égypte repose en effet sur la figure de Pharaon. La fortune de l’Égypte comme cadre et sujet de tant de bandes dessinées s’explique aussi par le charisme des personnages qu’elle propose à l’invention narrative. La figure de Pharaon, monarque divin et omnipotent, et celle de la reine d’Égypte, se prête par excellence à mille intrigues romanesques autour de l’appétit de puissance, des rivalités d’intérêt, de l’affrontement des passions, des complots et jeux de palais, autant de thématiques que nous trouvons dans la légende osirienne. Il n’est donc pas étonnant que de nombreux titres d’albums ou de séries évoquent la figure du roi : Le Tombeau de Pharaon (1979), La Vengeance de Ramsès (1984), Toutankhamon, le Pharaon assassiné (1994) de Lucien De Gieter ; Le Pharaon des cavernes de Sirius (1950) ; la série Pharaon de Hulet et Duchâteau (1981-1999) ; Les Colères du pharaon de Sebban (2011) ; Khéops d’Augustin (2016)…
La représentation de Pharaon dans les bandes dessinées est souvent guidée par des choix qui reposent sur la légende des règnes reconstruits à la lumière de découvertes archéologiques, de monuments grandioses ou de hauts faits d’armes. Peu de dessinateurs se risquent alors à mettre en scène des pharaons moins médiatiques. Il faut dire que les maisons d’édition tentent d’orienter le choix des artistes vers des noms qui font vendre. Ainsi, la découverte le 5 novembre 1922 par deux archéologues, Howard Carter et Lord Carnavon, de la sépulture d’un pharaon nommé Toutankhamon allait défrayer la chronique. Aujourd’hui, ce genre d’événement est une source d’inspiration inépuisable pour les dessinateurs car il synthétise les principaux fantasmes que le grand public nourrit à l’égard de l’archéologie égyptienne : l’exhumation du passé d’un roi dont le destin est tragique, la mise au jour d’un trésor fabuleux et enfin une série de décès que l’on peut, semble-t-il, mettre en relation avec la découverte de la tombe et une malédiction des pharaons. Sur la couverture du tome 1 de l’incontournable Mystère de la grande pyramide d’Edgar-Pierre Jacobs tous les ingrédients qui fondent l’imaginaire de l’Égypte dans la bande dessinée sont réunis : la découverte d’un tombeau, la présence imposante des dieux égyptiens tel Horus qui tient davantage en respect le lecteur que le professeur Mortimer, le cobra au premier plan qui annonce les dangers du désert et, sous jacent à ce récit d’essence cryptique : la malédiction de pharaon dont le thème principal sera repris par Hergé dans Les Cigares du pharaon.

De la même façon, le personnage dessiné de Cléopâtre se manifeste comme le réceptacle des fantasmes qu’ont suscités les femmes de pouvoir et l’Orient. D’Astérix et Cléopâtre d’Uderzo et Goscinny (1963) à Cléo, la petite pharaonne dessinée par Di Martinno (2015-2106) en passant par L’Empreinte d’une reine de Carruzzo et Weber (2007), la figure de cette reine d’Égypte inspire les créateurs. Son engouement témoigne aussi des circulations artistiques et culturelles qui s’opèrent entre peinture, cinéma et bande dessinée dans la construction de sa légende. Ce n’est donc pas un hasard si sur la composition de la couverture d’Astérix et Cléopâtre rappelle celle de l’affiche du film Cléopâtre de Mankiewicz avec Elisabeth Taylor (1963). Cette composition renvoie sans doute au tableau d’Alexandre Cabanel intitulé Cléopâtre essayant des posions sur des condamnés à mort (1887) et créée ainsi la persistance d’une mémoire iconique de la reine d’Égypte dans l’imaginaire occidental.
In fine, si la bande dessinée est un vecteur adéquat de la retranscription de l’univers des croyances des anciens Égyptiens et notamment de la légende osirienne, elle se manifeste surtout comme un formidable objet de médiation culturelle qui favorise les créations fantastiques, les mises à distance historique et l’exercice de l’imaginaire.